Эти счастливийшие времена в нашей жизни

Первым музыкантам-романтикам рока поколения начала семидисятых посвящается…

В ноябре 2001 года вышел в свет ремастированный концептуальный сборник (2CD или 4LP) под названием «Echoes» (The Best Of Pink Floyd). Сделана попытка обобщить всю грандиозную историю группы, собрав в обычном «флойдовском» стиле ( когда композиции как бы перетекают друг в друга) 26 «лучших» композиций из ВСЕХ 18 «номерных» альбомов. На наших глазах перевёрнута ещё одна страница драматичной истории самых грандиозных и великих экспериментаторов звука ХХ века. Как ни печально, но эта страница должна оказаться САМОЙ ПОСЛЕДНЕЙ для действующего состава трио: «главный флойд» Дэвид Гилмор (David Gilmour) объявил, что более ни концертных шоу, ни студийной работы члены группы совместно не планируют: «Мне уже 55, а рок-музыка — это занятие для молодых…» Музыканты группы всегда тщетно стремились к обычной жизни без стрессов и «папарацци», предпочитая баловать поклонников своим коронным блюдом — «лонгплэями» с настоящей музыкой вместо никчемных сингловых хит-парадов и пустых интервью! А это всегда лишь подстёгивало интерес к музыке группы и привело к фантастическим результатам — 18 «номерных» альбомов продано общим тиражом порядка 200 млн. экземпляров! Отныне фэнов группы во всём мире будет интересовать главный вопрос: когда последует реинкарнация-возрождение группы? Роджер Уотерс (Roger Waters) на сегодня самый активный из «четвёрки». Идей у него по-прежнему полно: он выпустил концертник «Is Anybody Out There?», подготавливает новый студийный (и конечно, «концептуальный») альбом, собирается в мировой тур 2002 года (с заездом в Россию 27-29 мая…) Но история «трио» PINK FLOYD действительно ЗАКОНЧИЛАСЬ! О «Swinging London» и первом, психоделическом барреттовском периоде группы наш журнал уже писал в статье Петра Кулеша «PINK FLOYD: У врат психоделического рассвета» (MB № 2 (11) 1998г). Окунёмся в «полный секретов», находок и открытий мир «постбарреттовского» PINK FLOYD…

Напомним, что дебютный «The Piper At The Gates Of Down» (Дудочник у ворот зари) вышел 5 августа 1967 года и стал шестым в британских чартах, чем музыканты очень гордились! Но будущее представлялось всем такой же чёрной дырой, как и вдруг потухшие глаза Сида… Им нужен был пятый член команды — певец, гитарист, а главное, «композитор-спасатель»! И такой человек был, PINK FLOYD с самого начала планировался как квинтет! И «номером пять» должен был стать одноклассник Роджера Уотерса Дэвид Гилмор, кого все «флойды» знали ещё по Кембриджу (с начала 60-х). Дэвид зарабатывал уличным музыкантом, соло или в составе соул-группы JOKERS WILD, выезжая куда-нибудь, где потеплее, но не очень жарко: во Францию или Северную Испанию. Его интересная игра на акустической или электрогитаре, своеобразный голос, как, впрочем, и внешность героя-любовника, позволяли устраивать неплохой «чёс» в курортные сезоны! Именно Гилмор научил играть Барретта на гитаре, дав «первый толчок» группе, и, кроме того, был в состоянии петь песни Сида голосом самого автора! И Дэвида не надо было дважды просить погрузиться в «загадочный и притягательный светомузыкальный мир» PINK FLOYD. По мысли руководства EMI, Дэвид должен был лишь «слегка разгрузить» Сида только на концертах, чтобы у того было время для сочинения песен — они надеялись вместе с группой на выздоровление Сида, но Барретт уже не мог бросить принимать наркотики. К сожалению, изменения головного мозга Сида оказались необратимы… Были попытки использовать его «периоды просветления» для записи на студии. Несколько раз что-то удалось запечатлеть: так, Сид играет на гитаре в «Remember A Day», и его голос мы слышим в «Jugband Blues», единственной «барреттовской» композиции на альбоме! Впрочем, его партии с успехом мог скопировать и Гилмор… Но… Баррета приглашали в студию на запись этого альбома и после появления Дэйва, а вот постоянных сессий с Сидом устраивать больше не пытались. Так новый гитарист Гилмор стал полноправным членом PINK FLOYD! Это был очень необычный коллектив по многим причинам. Во-первых, музыканты представляли собой почти шаманов, и предметом шаманства был ЗВУК КАК ТАКОВОЙ. Во-вторых, они постоянно стремились РАСШИРИТЬ ВОЗМОЖНОСТИ оборудования и научились использовать весьма необычные средства для достижения своих замыслов! Они САМЫМИ ПЕРВЫМИ из рок-музыкантов научились профессионально работать с любыми шумами — от взлетающего вертолёта и шума волн до звуков ложечки при помешивании в стакане чая, причём качество записи и обработки подобных звуков поражает даже сегодня! Они САМЫМИ ПЕРВЫМИ стали использовать записанные шумы в своих сложных и неординарных, нередко многочастных композициях. PINK FLOYD на концертах с 68-го года демонстрировали обьёмное «позиционирование» звуков и квадрозвучание! А кто из «флойдоманов» не слышал о «волшебном джойстике» под названием «азимутокоординатор»(используемый на концертах уже с апреля 68-го), позволявший создавать движущиеся музыкальные объекты и поля. С его помощью группа помещала слушателя внутрь этого поля! Совершенно обалдевший, он попадал то в «бушующий океан», то оказывался посреди «поля боя»! Согласитесь, весьма необычные ощущения для конца шестидесятых! Мало того, они постоянно экспериментировали и с необычными способами записи музыкальных инструментов. Да что там, даже собачье подвывание они профессионально использовали, причём даже «вживую»! Но это всё звук, а что они в те приснопамятные времена делали со светом!!! С осени 66-го группе помогали «ставить свет» и применять эффекты Джоэл(Joel) и Тони Брауны(Toni Brown) из компании самого Тимоти Лири(Timothi Leary), главного «идеолога» психоделики… Позже у них были другие помощники, неизменны лишь постоянные новации: и перемещающиеся во всех направлениях «прожекторные башни», и проекции движущихся слайдов на разнообразные предметы, и мультипликация, и надувные куклы, и богатейшие пиротехнические эффекты, и многое другое чаще всего первыми применяли именно PINK FLOYD! Сценических лазеров тогда не существовало, а когда они появились, сразу были использованы PINK FLOYD. Вовсе не следует думать, что группу постоянно заботила лишь техническая сторона шоу! Качество шоу — это в гораздо большей степени вкус и новаторская идея, убедиться в этом можно, посмотрев, например, «Live at Pompeii», вовсе не загруженное «техникой». В самом деле, «затаившийся и слегка кипучий вулкан» — это так классно на камере, особенно если снимать в упор! Работать с ними было необычно и интересно, поэтому «флойды» сразу легко «сманили» к себе в качестве продюсера Нормана Смита (Norman Smith). Это была несомненная удача, он работал инженером звукозаписи у THE BEATLES и делал звук их альбомов до «Rubber Soul» включительно. Сегодня «съедет крыша» у любого, предложи жизнь подобный выбор: работать звукоинженером над «Сержантом Пэппером…» или продюсировать «Дудочника…»! Знать бы заранее, кто и где сейчас делает альбомы, подобные «Сержанту…» или «Дудочнику»… Тогда это было делом обычным, так как записывались оба шедевра в одно время в соседних студиях фирмы EMI на Abbey Road. Вот хорошо видна и преемственность методов звукозаписи: Норман применил в записи годами наработанные в THE BEATLES приёмы. Так волею судеб звук у PINK FLOYD «начинается» там, где он «заканчивается» у THE BEATLES! Оценивая первые альбомы PINK FLOYD, которые звучат «не стыдно и не убого» на любом аппарате и сегодня, не будем забывать их первый статус крутейшей психоделической команды в университетских кругах, где они всегда были «своими». Конечно, им помогали словом и делом лучшие умы университетских лабораторий, в первые годы часто бескорыстно, ведь больших денег они пока не видели! Но, всё равно, кажутся чудом шедевры которые записывались на том достаточно примитивном оборудовании, а также изобретательность, трудолюбие и часто даже героизм, проявленные при этом музыкантами и персоналом! При всём уважении к российской звукозаписи сдаётся, что и сейчас, при «прямой записи» в «цифру», ей до качества даже первых двух «аналоговых» альбомов PINK FLOYD как до Луны! Но не будем слишком строги и не забудем, что классный звукорежиссёр воспитывается даже не годы, а десятилетия, должна быть и «школа», и преемственность — всё это для нас ещё впереди… Был и у нас в 70-е свой «один на всю землю» — «Давид Тухманов In Rock», как называли «По волне моей памяти…», но записывался он полуподпольно… Классная музыка — это не только музыканты, но и все остальные — «театр начинается с вешалки»! К счастью, мы имели возможность увидеть шоу группы в 1989-м, имея ещё практически «незамутнённый» другими рок-исполнителями взгляд — ФЛОЙД приехали к нам с «первой волной» рока! Музыканты в Москве постоянно подчёркивали, что в туре у них не группа из нескольких человек, а «передвижной цыганский цирк», в котором одинаково важен весь персонал. Цирк — это всегда коллективизм и фанатизм! На «A Saucerful…» музыканты ещё не блистали индивидуальным мастерством владения инструментом, но уже присутствовали методы работы, которые позволили вскоре PINK FLOYD стать ведущей супергруппой и занять совершенно особые, эталонные позиции в мировой звукозаписи. Во-первых, каждый из участников приносил персональные идеи (в виде домашней промозаписи) в «общую копилку». Во-вторых, «экспертный совет» по таким идеям «заседал только в полном составе», чтобы «без обид»! В-третьих, существовала «архитектурная комиссия» («архитекторами» были по своей первой профессии Мэйсон и Уотерс) для композиционного «выстраивания» имеющихся «кусочков» тем. Они занимались их отбором, продумывали «глобальную»идеологию, а также замысел каждой части, соединяли их, а потом разные варианты предлагали «на суд» остальным! И, в-четвёртых, целью записи всегда признавалось получение НУЖНОГО звука. Ограничений по поиску средств не существовало, принимались самые «сумасшедшие» идеи, если это давало нужный результат — Барретт явно оставил им «в наследство» дух эксперимента! И ещё одно качество оказалось присуще музыкантам: они знали своим находкам настоящую цену. Поэтому, когда «пошли шедевры» и группа вступила в «звёздную фазу», они «отрубили концертные хвосты» своим старым композициям, перестав их исполнять. С другой стороны, когда случилась концертная утечка в 84-м, у музыкантов хватило смелости не выбросить «в корзину» те три «снятые» композиции, а «развернуть» их аж на двух следующих альбомах! Самое главное, что эта совершенная «машина» работала подобным образом не только над ранними альбомами, но до осени 1979 года, когда из-за непомерных амбиций и «правдолюбия» Уотерса уволили Райта и случился её слом! Первым успешным опытом таких методов работы стала 20-ти минутная инструментальная 4-х частная композиция «A Saucerful Of Secrets», когда методом мозговой атаки удалось выстроить произведение, в котором берут начало все будущие многочастные шедевры группы! Кроме того, заметим, что никто никому не мешал пробоваться на «чужом» инструменте — подобных ограничений не существовало! К примеру, на ударных можно услышать не только Мэйсона, но и Уотерса, а на басу, кроме Уотерса, играл и Гилмор! Мэйсон же обожал «конкретную музыку», то есть «реальные» звуки и различные шумы, ставшие «визиткой» группы. В дальнейшем клавишными и эффектами полюбили заниматься все! Три вокалиста по такому же принципу исполняли каждый все части песни. Конечно, дальше следовал общий суд, и если чьё-то «соло» признавалось неконкурентоспособным, апеллировать было больше не к кому! Но такие «правила игры» и создавали в группе ту самую жёсткую (но совершенно честную!) инструментальную конкуренцию, в которой мастерство, мультиинструментальные способности и индивидуальность каждого росли как грибы после хорошего дождя! И разумеется, интересную идею одного, независимо от авторства, «доводили» и развивали тоже сообща. В этой системе была только одна «ахиллесова пята» — «человеческий фактор». Предполагалось, что все члены подобного сообщества постоянно творят в атмосфере любви, уважения и поддержки. Редчайший пример являла тогда PINK FLOYD! Ведь мы знаем немало групп, члены которых, как Кащей, трясутся пусть над дохлыми, но зато СВОИМИ мощами! Но мы ведём речь о КАЧЕСТВЕННО другом подходе, работавшем реально, и о чудесных ПЛОДАХ этого подхода! То ли в те времена наши герои были молоды и переступали через честолюбие, если это помогало группе, то ли они были мудрее других и понимали, что иначе «не вылезти», но «локомотив PINK FLOYD уже тогда нёсся во весь опор»! Первая часть «А Saucerful…» (названная позже на концертной части альбома «Ummagumma» как «Something Else») включала «нарезку» тарелок, записанных с «близкого» расстояния. Звуки «Something Else» должны были, по мысли Гилмора, означать подготовку к войне, выраженную напряжёнными звуками органа, переходящими в звуки тарелок. А в следующей «Syncopated Pandemonium» — сражении — Гилмор записал звук гитары, который достигался, если по струнам водить не слайдом, а микрофонной стойкой! Этих эффектов оказалось недостаточно, поэтому «сверху» наложили барабаны Мэйсона, для чего запись барабанов пришлось нарезать в «мелкую вермишель» и склеить заново для попадания «в гитару»! (Все эти «разрезания-склеивания» были типичными (и часто единственными!) средствами работы с аналоговой записью на магнитной ленте. Если когда-нибудь захотят увековечить труды и муки тех «магов звукозаписи», то в бронзе, скорее всего, отольют резак, бритву и «скотч» — главные «орудия труда» звукоинженеров 60-70-х! Эта часть плавно переходит в клавишные «Storm Signal», которые заканчиваются могучей органной ораторией с хорами «Celestial Voices», являющей собой плач убиенных душ, забираемых на Небеса. Все эти звучания величественны, мощны, органичны и позволили группе проложить дорогу от почти спонтанной музыки «А Saucerful…» через мощное развитие в «Atom Heart Mother» и «Echoes» прямиком к вершинам «Dark Side..» и «Wish You…». История PINK FLOYD чем дальше, тем больше изобилует подобными «ненормативными», но эффективными способами работы. При этом надо помнить, что группа ПОСТОЯННО использовала на концертах и в студиях САМОЕ ЛУЧШЕЕ И ПЕРЕДОВОЕ оборудование — в этом несомненная заслуга и записывающего лэйбла! Методы плодотворной компиляции (в принципе, те же «резак и скотч»!) процветали не только в музыке, но и текстах! К примеру, Уотерс принёс в студию несколько сборников переводов китайской поэзии, чтобы быстрее формировался «ассоциативный ряд образов» — так появились тексты уотерсовской «Set The Controls For The Heart». В отличие от «шизоидно-милого юморного инопланетного безвременья» текстовок Барретта, Уотерс сразу «взял курс» на антимилитаристскую тематику — на «Блюдце…» мы слышим его первую, но сразу замеченную «прогрессивной молодёжью» антивоенную пробу пера — «Corporal Clegg». Из всего этого со временем и возник уникальный в своих лучших проявлениях сплав поиска, индивидуальностей и взаимовыручки PINK FLOYD. В итоге вышедший 29 июня 1968 года «A Saucerful Of Secret» подтвердил амбиции группы как «первого экспериментатора звуковых полей» и занял высокую 9-ю строчку британских хит-парадов. Через полгода после выхода «A Saucerful…» был выпущен самый последний сингл «Point Me At The Sky», остающийся таковым 11 лет! Кроме принципиального неучастия в сингловых чартах, музыканты на протяжении ряда лет всячески избегали внимания журналистов, а также очень редко разрешали «прокрутку» собственных творений по радио — своё отношение к тогдашнему радиокачеству они выразили позднее в звуковом эффекте на «Wish You Were Here». Зато каждое такое разрешение зафиксировано ныне «летописцами группы»! Надо также заметить, что их альбомы постоянно были совершенным и благодатным материалом для коллекционеров. Мало того, что дизайнерами были ведущие мастера авангардного агенства «Hipnosis» и большинство обложек становились шедеврами поп-арта! У PINK FLOYD и c содержанием альбомов также происходило всё! Бывало, квадроверсии сильно отличались от стереоверсии песен, которые в свою очередь сильно отличались от моно (тогда ещё было принято выпускать и моно…)! И эти версии норовили в каких-то выпусках подменять друг друга! Случалось и так, что версия какого-нибудь альбома в одной стране в звучании или оформлении отличалась от того же альбома в другой! А уж вариантов оформления пластинок в разных странах не счесть! А трудовые «подвиги» пиратов! И все подобные версии сразу же становились объектами настоящей охоты, так что подлинный коллекционер-«флойдоман» лишь сможет найти у себя на одной полке различные варианты исполнения одной и той же композиции — для остальных места на ней уже не остаётся!

«Atom Heart Mother»: квадрофоническое сердце группы.

Очередным, но уже высшим рекордом Harvest (ПЕРВЫЙ НОМЕР британских чартов!) стал вышедший 10 октября 1970 года альбом без названия с запоминающейся пятнистой коровой на обложке — очередной придумкой дизайнерской студии «Hipnosis». Здесь Сторм Торгесон и Джон Грослэнд (Storm Thorgerson & Jon Grossland) воплотили (также впервые!) свою концепцию — сделать обложку, НИКАК не связанную с музыкой. Если бы в природе существовал достаточно безобидный и, главное, несокращающий продажи способ передачи тончайшего аромата коровьего навоза, «Hipnosis» бы этим обязательно здесь воспользовалась! ПЕРВАЯ В МИРЕ КВАДРОФОНИЧЕСКАЯ ЗАПИСЬ (четырёхканальная) на новейшем оборудовании, специально предоставленном фирмой для альбома, не обошлась без «ложки дёгтя» — музыканты и члены команды планировали потратить намного больше времени на запись и сведение, чем им это позволили, ссылаясь на финансовые соображения! На этой записи прослеживается «связь времён и поколений»: от «битлов» до «квадрофонии». Молодыми тогда звукоинженерами Питером Боуном (Peter Bown) и Аланом Парсонсом (уже ассистировавший на записи «битлов»!) руководил известный нам Норман Смит. Первая сторона «винила» отведена под 30-ти минутную титульную композицию, состоящую из 6-ти частей (5?19«, 10?09», 15?25«, 17?44», 19?55"), чья оркестровка для медной духовой группы и хора выполнена электронщиком-экспериментатором Роном Гисином (Ron Geesin), и благодаря этой оркестровке PINK FLOYD стала ПЕРВОЙ рок-группой, выступавшей на престижнейшем Фестивале классической музыки в Монтрё. Используемая красивая виолончельная тема в начале и конце была придумана Гисином и Уотерсом во время совместной работы над музыкой к документальному фильму Тони Гарнетта «The Body». Интересен также джаз-роковый джем гитары и клавишных в «Mother Fore», а грохот в концовке «Funky Dung» — несомненная предтеча концовки «даксайдовской» «Breathe (On The Air)». Вторую сторону «винила» открывает незамысловатое гитарное вступление «If» Уотерса об одиночестве и сумасшествии (отныне его и в творчестве, а не только в ночных кошмарах, будут занимать эти всегда близкие друг другу темы!), но Райт своим описанием ночи любви «Summer?68» и Гилмор продолжением темы «Grantchester Meadows» в «Fat Old Sun» никак не хотят поддержать предложенную меланхо-лическую тему! Завершает альбом 13-ти минутная трёхчастная (4?29«, 8?18») «Alan?s Psychedelic Breakfast», которая открывается типичными «утренними» звуками с кухни: наливается вода в чайник, «скворчит» жареный бекон с яичницей и так далее! Отныне самые разные звуки будут ИНТЕГРИРОВАНЫ в музыку, «поселятся и заживут своей жизнью» в каждом альбоме, став «брэндом» саунда группы! Закрывается «винил» изобретательной записью капающей воды из крана, выведенной на круглую «бесконечную»дорожку винила. Кроме того, что владельцы компактов вынуждены довольствоваться обложками небольшого формата, они также обделены и такими «приятными» мелочами, как общее индексирование многочастных композиций этого пасторального арт-рокового альбома, потому и приведены времена частей этой пластинки.

«Relics»: проект «ударного архитектора».

После феноменального успеха «Атомного Сердца Матери» 14 мая 1971 года на Starline (подразделение EMI) для ещё большей головной боли у коллекционеров выходит сборник «Relics», где впервые присутствует одна из самых ярких джазово-рокабильно-психоделических композиций Уотерса — «Biding My Time», написанная в том же 71-м под названием «Work» к концертной сюите «The Man». Кроме этой композиции — единственного, но весомого музыкального аргумента в пользу покупки данного релиза — дополнительным можно считать то, что на обложке изображен проект «ударного архитектора» Мэйсона (аж в двух проекциях!). Настоящим же «флойдомановским» коллекционерам сей «Relics» жизненно необходим аж в 4-х экземплярах — британском, японском, американском и австралийском, так как эти филиалы EMI использовали разные варианты оформления! К примеру, американская обложка демонстрировала голову-открывалку бутылок с 2-мя парами глаз, а на австралийской были изображены старые испанские дублоны. В японском же варианте рисунок Мэйсона помещён на весь двойной разворот! Если вас после рассказа о «Relics» ещё не посетил «eclipse», то побежали по истории группы дальше!

«Meddle»: от «дохлого осла» уши?

Сей заголовок соответствует обложке «Meddle», очередному шедевру от «Hipnosis». На её «аверсе» помещено зеленоватое фото поросячьего уха, кончик которого высовывается из воды, где расходятся концентрические круги от капель (намёк на вступление многочастной композиции «Echoes» или просто затопило студию?). На «реверсе» же под той же водой видно что-то посущественней дохлых ушей, а именно ожерелье, брошь, перстень, в общем, драгоценности. «Номер три» Королевства, вышедший 14 мая 1971 года, демонстрирует несомненное, инструментальное мастерство музыкантов и совершенство всех композиций «Meddle», записанных и сведённых в разных студиях инженерами Питером Боуном и Джоном Леки (John Leckie) на Air и EMI, а также Робом Блэком (Rob Black) и Роджером Квэстедом (Roger Quested) на Morgan. Записи двух поэм и четырёх песен были ВПЕРВЫЕ сделаны на 16-дорожечном оборудовании. Кроме того, это ПЕРВАЯ КОНЦЕПТУАЛЬНАЯ работа группы, где темы «одиночество-холод» — «человечность-тепло» как бы проходят через все композиции, но… всё же очевиден сдвиг к «полюсу холода». Слушателя прямо-таки обдаёт ледяными тембрами клавишных и гитар, из-за чего немногие считают альбом «любимым». Все эти темы, в основном, связаны совершенно роскошными соло Гилмора, в этом альбоме он впервые так ярко расправляет крылышки, демонстрируя своё инструментальное могущество и раскрепощённые сольные вокальные партии. Отныне гитаристам всего мира суждено просиживать ночи напролёт в попытках (и пытках) «снять» его фантастические, завораживающие точёные соло, от которых хоть и веет холодным «шахматным» композиционным расчётом, но мурашки по спине всё-таки ползут! У него появится целый сонм учеников и подражателей, но соло Гилмора на каждом новом альбоме будет неизменно доказывать его первенство и неподражаемое новаторство! Инструментальная «One Of These Days», открывающая альбом, разбавлена единственной жутковатой фразой Ника, прокручиваемой слегка замедленно:«На днях я разрежу тебя на мелкие кусочки!», после чего «дующий ветер» сменяется напряжённым инструменталом с двумя «басовыми» дорожками — Гилмор играет в одном канале, а Уотерс — в другом. И всё же жаль, что вас не было здесь! В «San Tropez» приджазованное фоно Райта весьма неожиданно поддерживается мастерской игрою Гилмора на… гавайской гитаре. В блюзовой «Seamus» добавлено «собачье соло» как поддержка гилморовской гитаре. «Echoes», композиция продолжительностью 23?31", состоит из 24 мелодий и тем, нанизанных в студии друг на друга, составленных в единую оркестровку. Но в целом, несмотря на очевидный композиторский и инструментальный прогресс, звучание альбома, как и «Echoes», в отличие от «живого» завораживающего звучания этих же тем в видеофильме «Live At Pompeii», получилось слишком невесомым, не по-земному холодным и каким-то уж больно «чахловато-электронным». «Живьём в Помпеях» режиссёра Эдриана Мэбена (Adrian Maben) стал важнейшим историческим документом самого позднего «преддарксайдовского» периода PINK FLOYD — в фильме есть обстановка студии Abbey Road во время записи этого величайшего шедевра XX века, и даже показана запись «Brain Damage»(а пусть и её видео-имитация — что с того?) , как Уотерс накладывает партию баса на уже записанный голос, а потом Гилмор вставляет туда же гитарное соло. В фильме мы видим также вокальные упражнения русской псовой…Как ни странно, но в картину попала и одна из первых словесных перепалок Уотерса и Гилмора — предвестник грядущих судебных тяжб, ведь именно на записи «Dark Side Of The Moon» берёт логическое начало разлад в группе…